Mostrando entradas con la etiqueta BAILE. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta BAILE. Mostrar todas las entradas

lunes, 18 de enero de 2016

ZAPATILLAS DE BALLET



Las ZAPATILLAS DE BALLET son zapatillas ligeras diseñadas específicamente para la práctica del ballet. Se hacen de cuero, lona, o satén suave y tienen suelas finas y flexibles. Los zapatos de ballet están típicamente disponibles en rosa, negro, gris o blanco. Tradicionalmente, las mujeres los llevan rosados y los hombres blancos, mientras que los colores carne o marrones que dan la apariencia de bailar descalzo son llevados tanto por hombres como por mujeres.
Los bailarines de ballet principiantes y los bailarines de ballet menores de aproximadamente doce años llevan zapatillas exclusivamente mientras entrenan y actúan, mientras que las bailarinas más avanzadas pueden llevar zapatillas de ballet o zapatillas en punta cuando las circunstancias lo requieren. A los bailarines jóvenes les está restringido el uso de zapatillas de ballet hasta que se osifiquen sus huesos y sus músculos sean suficientemente fuertes para poder bailar en punta. Los bailarines llevan casi siempre zapatillas de ballet suaves, pues raramente bailan en punta.
Las escuelas de ballet imparten típicamente clases de técnica, en las cuales los bailarines llevan solamente zapatos de ballet llamados media punta (1/2), y de punta, en que los estudiantes llevan primero los zapatos de ballet para calentar en la barra, y después cambian a zapatillas de punta para los ejercicios de centro. Muchas escuelas de ballet exigen por lo menos cinco años de entrenamiento antes de permitir que sus bailarines vayan en punta.
Las zapatillas de puntas son un tipo de calzado de ballet similar a las zapatillas anteriormente descritas pero con refuerzo en la parte anterior de las mismas. Su objeto es que las bailarinas de ballet se eleven sobre ellas apoyando el peso de todo su cuerpo sobre la punta. El objetivo de las zapatillas de puntas es proporcionar una apariencia ligera y estilizada de la bailarina durante la representación, que parezca levitar sobre el suelo o que no haga ruido al caer tras un salto.
Su origen se remonta al nacimiento de los ballets románticos en el siglo XIX. Se considera que una de las primeras bailarinas en emplear este tipo de zapatillas fue Marie Taglioni en el ballet La sílfide en 1832 utilizando la técnica de puntas. En un principio, las bailarinas introducían algodón para reforzar la punta mientras que en la actualidad la zapatilla cuenta con una estructura rígida en la que se apoyan los dedos.
Las zapatillas de puntas no se utilizan hasta el segundo o tercer año de enseñanza. En los ensayos, se emplean al final de los ejercicios de barra y su uso es progresivo para reforzar los músculos del pie y adquirir el equilibrio necesario para posarse sobre ellas. Existen zapatillas con diferente nivel de rigidez en su suela. La elección de una u otra dependerá de la bailarina en función del grado de fortaleza de su pie. Para ello tiene que practicar todo un año con las 1/2 puntas.






sábado, 21 de noviembre de 2015

FLAMENCO



El FLAMENCO es un estilo de música y danza propio de Andalucía, Extremadura  y Murcia. Sus principales facetas son el cante, el toque y el baile, contando también con sus propias tradiciones y normas. Tal y como lo conocemos hoy en día data del siglo XVIII, y existe controversia sobre su origen, ya que aunque existen distintas opiniones y vertientes ninguna de ellas puede ser comprobada de forma histórica. Aunque el diccionario de la RAE lo asocia a la etnia gitana, es más que perceptible la fusión de las distintas culturas que coincidieron en la Andalucía de la época. De todas las hipótesis sobre su origen la tesis más extendida es la que expone el origen morisco, sólo que el mestizaje cultural que por entonces se dio en Andalucía: oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos y judíos; propició su creación.

En noviembre de 2010 la Unesco lo declaró como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad a iniciativa de las Comunidades autónomas de Andalucía, Extremadura y Murcia. Además es Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico Andaluz y está inscrito en el Inventario General de Bienes Muebles de la Región de Murcia establecido por la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales.

Su popularidad en Hispanoamérica ha sido tal que en Guatemala, Costa Rica, Panamá, El Salvador y Puerto Rico han surgido diversas agrupaciones y academias. En Japón es tan popular que se dice que en ese país hay más academias de flamenco que en España.

El estilo flamenco se fue configurando durante el siglo XIX, sobre el sustrato de la música y la danza tradicionales de Andalucía, cuyos orígenes son antiguos y diversos. Sin embargo el flamenco no es el folclore de Andalucía compuesto por seguidillas, sevillanas, fandangos, verdiales, trovos, el chacarrá, el vito... sino un género artístico fundamentalmente escénico.

En ningún momento de su historia el flamenco ha pasado de ser una música interpretada por minorías, con mayor o menor difusión. El surgimiento de los cantaores profesionales y la transformación de los cantos populares por parte de los gitanos, hicieron que su estilo se alejara considerablemente de las tonadas tradicionales. El flamenco somete lo popular a una estilización tan grande que lo lleva hacia lo culto, pero sin perder su sabor popular.

Aun así el flamenco se considera un atractivo turístico de primer orden para Andalucía, tanto como espectáculo como arte para su estudio incluso como doctorado.

Se cree que el género flamenco surgió a finales del siglo XVIII en ciudades y villas agrarias de la Baja Andalucía, aunque prácticamente no hay datos relativos a esas fechas y las manifestaciones de esta época son más propias de la escuela bolera que del flamenco.

En 1783 Carlos III promulgó una pragmática que regulaba la situación social de los gitanos. Esto fue un hecho trascendental en la historia de los gitanos españoles que, tras siglos de marginación y persecuciones, vieron cómo su situación jurídica mejoraba sustancialmente.

Tras la Guerra de Independencia Española 1808-1812 se desarrolló en la conciencia española un sentimiento de orgullo racial, que contrapone al ilustrado afrancesado la fuerza telúrica del majo, arquetipo del individualismo, la gracia y el casticismo. En ese ambiente triunfa la moda cañí, pues el casticismo ve en el gitano un modelo ideal de ese individualismo. La eclosión de las escuelas taurinas de Ronda y Sevilla, el auge del bandolerismo y la fascinación por lo andaluz manifestada por los viajeros románticos europeos, fueron conformando el costumbrismo andaluz, que triunfó en la corte madrileña.

domingo, 18 de octubre de 2015

CANCÁN



El CANCÁN apareció por primera vez en los salones de baile de la clase trabajadora del barrio parisino de Montparnasse alrededor de 1830. Era una versión más animada del galope, un baile rápido en un compás de 2/4, el cual solía ser la figura final en la cuadrilla. Por lo tanto, el cancán era originalmente una danza para parejas, las cuales realizaban patadas altas y otros gestos con los brazos y las piernas. Se cree que éstos fueron influenciados por los movimientos de un popular animador de los años 1820, Charles Mazurier, quien era muy conocido por sus demostraciones acrobáticas, las cuales incluían el grand écart, que más tarde sería una característica popular del cancán. Para este momento, y durante la mayor parte del siglo XIX en Francia, el baile fue también conocido como el chahut. Ambos términos son franceses, cancan significa 'escándalo', mientras que chahut significa 'ruido' o 'alboroto'.

A medida que los bailarines de cancán se volvieron más habilidosos y arriesgados, fue desarrollando gradualmente una existencia paralela como entretenimiento además de la forma participativa. Unos pocos hombres fueron estrellas del cancán entre los años 1840 y 1860, pero las mujeres bailarinas fueron mucho más populares. Éstas eran mayormente cortesanas de mediana categoría, y sólo animadoras semi profesionales —a diferencia de las bailarinas de los años 1890, tal como La Goulue y Jane Avril, quienes eran muy bien remuneradas por sus presentaciones en el Moulin Rouge y en otros lugares—. Estas mujeres desarrollaron los variados movimientos de cancán que fueron luego incorporados por el coreógrafo Pierre Sandrini en el espectáculo "Cancán francés", el cual presentó en el Moulin Rouge en los años 1920 y en su propio Bar Tabarin a partir de 1928. En 1924 se estrenó la primera presentación en Londres del musical "Can Can".

El cancán se baila en un compás de 2/4, y en la actualidad se suele bailar en un escenario, formando una hilera. En la Francia del siglo XIX, el cancán permaneció como una danza para bailarines individuales, quienes se exponían en la pista de baile. En el Reino Unido, los Estados Unidos y otros lugares, el cancán adquirió popularidad en salones de baile, en donde era bailado por grupos de mujeres con rutinas coreografiadas. Este estilo fue importado a Francia en los años 1920 para el beneficio de los turistas, y así nació el cancán francés —una rutina altamente coreografiada que dura alrededor de diez minutos, con oportunidad para que cada bailarín muestre sus especialidades—.

Los principales movimientos son la patada alta o battement, el rond de jambe rápido movimiento rotativo de la pantorrilla con la rodilla levantada y la falda sostenida a lo alto, el port d'armes girar sobre una pierna, mientras se sostiene la otra por el tobillo de forma casi vertical, el puente y el grand écart. Además, la práctica del cancán casi siempre incluye gritos, chiflidos y trinos mientras se baila.

sábado, 28 de febrero de 2015

CONGA



La CONGA es un baile popular cubano de origen africano que tiene un ritmo sincopado y se acompaña con tambores. Sirve de acompañamiento para las comparsas carnavalescas y se originó en las festividades que efectuaban los negros esclavos. Esta toponimia creada en Camagüey, aparece en los años 30, con antecedentes de “La Arrolladora” de Izaguirre, con tambores de barriles, campanas, Comandos, Muchachos Durmientes, Los Pulpos, Farola, Los Caribes. Durante esta década se convirtió en un baile de salón.

En su instrumental participan tambores de diversos tipos, abarrilados y de un solo parche, conga, tumbadora, quinto; bombo, cencerros, sartenes y otros objetos de metal.

Luego se bailó de un modo más libre. La conga más grande de la que se tiene registro fue la Miami Súper Conga que tuvo lugar en la Calle 8 el 13 de marzo de 1988. La línea estaba formada por 86 personas.

La conga es un género bailable y cantable, donde se destaca la alegría, el ritmo y el sabor de la música cubana.

Estas fiestas se realizaban en las ocasiones en que las autoridades permitían ciertas distracciones a los esclavos: en la festividad del Hábeas, los domingos y principalmente el Día de Reyes. Era un suceso musical y social que llenaba de alegría las ciudades, subordinándose los cantos, toques de tambor y las fabulosas coreografías, en un jolgorio que contrastaba con los bailes de salón que la burguesía generaba para su disfrute y aún con los llamados bailes de cuna, donde se mezclaban diversos estratos y grupos sociales.

jueves, 18 de diciembre de 2014

LAMBADA



La LAMBADA es un ritmo creado en Brasil y un baile surgido en Pará, Brasil, en la década de 1970. Tiene como base el carimbó y la guitarreada e influencias de la cumbia y el merengue.

El término lambada proviene de una palabra portuguesa usada en Brasil que describe el movimiento de un látigo. Este movimiento ondulatorio y suelto es imitado por los cuerpos de los bailarines. La ambigüedad oscura de esta figura, es una de las cosas que distingue a la lambada de otros bailes.

La lambada adquirió fama mundial tras el éxito del grupo musical Kaoma titulado "Chorando se foi", en 1989. Esta fue una versión en ritmo lambada de la canción Llorando se fue, del grupo boliviano Los Kjarkas.

Desde el momento en que Brasil fue colonizado por los portugueses entre  1500 y 1822 existía un baile común en el norte del país llamado carimbó. Se trataba de un baile sensual con el que las mujeres, provistas de una falda corta, intentaban atraer a los hombres. La música se producía generalmente al ritmo de los tambores fabricados con troncos de madera.

Con el tiempo, el baile fue cambiando. Tomó muchas influencias de la música caribeña, debido a su proximidad geográfica. Esta fuerte relación generó también algunos ritmos nuevos, como el sirimbó y el Lari Lari, y también cambió para siempre la forma de bailar el carimbó.

Después de un tiempo, una cadena de radio local de Belém ciudad capital de Pará comenzó a llamar a estos nuevos tipos de música como "el fuerte ritmo" y "los ritmos de lambada" lambada significa "golpe fuerte", en portugués. Este último nombre "lambada" ganó un fuerte atractivo y comenzó a ser asociado como un nuevo estilo del baile antiguo.

La lambada mundial goza de una etimología oscura. Los movimientos de "ola" se produce entre el baile de dos cuerpos frente a frente, y es uno de los muchos elementos que distinguen la Lambada de otros bailes latinos.

Un video clip también logró lanzar con mucho éxito en su momento a los dos niños que bailaban el famoso baile, Washington "Chico" Oliveira 20 de febrero de 1977 y Roberta de Brito 27 de abril de 1979, quienes formaron el dueto Chico y Roberta; como tal publicaron algunos álbumes, alcanzaron notoriedad y luego se disolvieron.

En torno a 1983, las parejas comenzaron una vez más a bailar el carimbó, con un tipo de baile muy parecido al merengue, pero con muchos giros.

Aurino Quirino Gonçalves, mejor conocido como Pinduca, es un músico brasileño. Es un cantante muy conocido en el norte de Brasil zonas de Amapá y Pará, donde es muy común la creencia de que él es el verdadero padre de la música de la lambada.

Pinduca es un músico y compositor principalmente de carimbó. Es cantante y compositor de "El Rey del Carimbó", y creó ritmos tales como el sirimbó, el lári-lári, la lambada y el lamgode. Lanzó, en 1976, una canción llamada Lambada Sambão, pista número 6 del LP No embalo de carimbó y sirimbó vol. 5. Fue la primera grabación de una canción bajo el título de Lambada en la historia de la música popular brasileña.

También hay una versión del guitarrista y compositor Master Vieira, el inventor de la guitarreada, también considerado el creador de la música de la lambada. Su primer disco oficial, Lambada de Quebradas, se grabó en 1976, pero se lanzó oficialmente dos años después, en 1978.

En la década de los ochenta, la fusión entre la música electrónica del Caribe creó otra vez un nuevo estilo del carimbó. Este nuevo estilo comenzó a reproducirse en todo el noreste de Brasil, aunque se llamó lambada.

En 1988, un empresario francés, Olivier Lamotte d'Incamps, visitó Porto Seguro y descubrió locales de baile que mezclaban la lambada con otro tipo de melodías. Promovió una gira europea con Kaoma, una banda formada por un grupo de baile de Porto Seguro, Touré Kunda. Lamotte d'Incamps posee los derechos musicales de más de 300 canciones de lambada.

Kaoma se hizo conocido por su tema "Chorando se foi", basado en la canción "Llorando se fue", del grupo boliviano Los Kjarkas. Uno de los integrantes de la mencionada banda, Ulises Hermosa, demandó al grupo Kaoma, y recibió las reparaciones y demás previsiones legales concernientes a los perjuicios causados por la versión brasileña. "Llorando se fue" pertenece al género caporal de la música folclórica de Bolivia.

En el siglo XXI, este ritmo continúa sonando en algunos sitios brasileños. Cantantes como Alefone hacen canciones que mezclan la lambada con otro tipo de melodías, como la pista "Alexandre Surfistinha". En 2006, los cantantes Wisin & Yandel usaron la melodía de este ritmo para crear la canción "Pam Pam".

En 2011, Jennifer López usó el tema "Llorando se fue" de los Kjarkas como base de su canción "On the Floor", generada a partir de un remix e interpretada al lado del cantante Pitbull; fue uno de los temas más escuchados de ese año. También, el cantante puertorriqueño Don Omar trasformó la versión original boliviana de la misma canción, y creó el tema "Taboo".

domingo, 30 de noviembre de 2014

TWIST



El TWIST es un baile basado en el rock and roll muy popular a comienzos de la década de 1960, llamado así a partir de una canción que lo originó: The Twist. Fue el primer estilo internacional de baile basado en el rock and roll, donde las parejas no se tocaban mientras bailaban.

Este baile lo popularizó Chubby Checker en 1960 con su versión del tema de The Twist compuesto por Hank Ballard en 1959. La versión de Checker llegó al número uno de los ránkings en los Estados Unidos, y se convirtió en el poseedor de un récord al ser el primer sencillo en alcanzar el primer lugar dos veces en años diferentes. La primera vez en 1960 y luego en 1962.

A España el Twist llegó en 1962, y fue entonces cuando grupos y solistas comenzaron a versionar y crear nuevos twist. Algunos de ellos son Lolita twist, el twist de la risa, flamenco twist, el twist del reloj etc.

En América Latina, la locura por el Twist se desató también entre los años 1960-1962 pero no por las versiones de Checker o Ballard, sino por la de Bill Haley & His Comets. En México, fueron grandes éxitos temas "The Spanish Twist", "Florida Twist y "Twist-er", donde la banda consiguió el reconocimiento de ser los iniciadores del baile de moda.

viernes, 21 de noviembre de 2014

RUMBA



La RUMBA es tanto una familia de ritmos musicales como un estilo de danza en Cuba. Este complejo musical es de raíz afrocubana. Hay tres tipos de rumba: el yambú, la columbia, y el guaguancó.

La rumba se puede bailar de variadas formas según el estilo del rumbero.

En el caso del guaguancó , se baila en una posición de piernas semi flectadas, espalda gacha y alternando los brazos y piernas según el pie que moveremos de forma natural. Ejemplo: Si movemos el pie derecho, moveremos el brazo izquierdo, para luego sacar el izquierdo y mover el brazo derecho. El paso básico consta del movimiento de pelvis en el caso del hombre y de la cadera en forma de 8 en el caso de la mujer, lo que crea una "ilusión de rebote" al estar moviendo el cuerpo completo brazos, pies, caderas/pelvis y hombros. Este es el mal llamado "muelleo" técnica obsoleta para muchos, ya que no es práctica en un baile real.

En el caso de la columbia, el paso básico es el mismo. Se bailará de una manera más erguida y menos "coqueta" pero debido a que es un estilo que desea mostrar elegancia y destreza, los movimientos a ratos serán lentos, y en otras excesivamente rápidos jugando así con los tiempos y el asombro de quien observe. En ocasiones se utilizan cuchillos o machetes para demostrar hombría/virilidad/proeza/destreza o utensilios de "obstáculos" en el piso como botellas.

La internacional rumba ballroom es un baile lento, de alrededor de 120 latidos por minuto, lo que corresponde, tanto en la música como en la danza, a lo que los cubanos de la generación anterior llamaban bolero son. Es fácil ver por qué, para facilitar su consulta y para la comercialización, la rumba es un nombre mejor, sin embargo inexacto; es el mismo tipo de razón que llevó más tarde a la utilización de la salsa como un término general para la música popular de origen cubano.

Todos los bailes sociales en Cuba implican un hip-sway sobre la pierna de apoyo y, aunque esto es apenas perceptible en salsa rápida, es más pronunciado en la lenta rumba ballroom. Este estilo es auténtico, como es el uso de los brazos libres en varias figuras. Las cifras básicas se derivan de movimientos de baile observados en La Habana en el período pre-revolucionario, y han desarrollado su propia vida desde entonces. Las figuras en una competencia suelen ser complejas, y aquí es donde la competencia de baile se separa de la danza social. Los detalles pueden conseguirse en los programas de las organizaciones de enseñanza de la danza y de textos estándar.

lunes, 24 de marzo de 2014

VEDETTE



VEDETTE o, en algunos casos, supervedette o primera VEDETTE, es la artista principal en un espectáculo de revista musical o de variedades.

La palabra "VEDETTE", en francés, significa estrella de un espectáculo. Una VEDETTE suele ser una bailarina, aunque no siempre pues Celia Gámez era cantante de tangos. También puede ser, además, cantante y actriz, y suele actuar acompañada de un grupo de bailarinas y bailarines, de actores cómicos, etc.

En espectáculos de revista o cabaret puede haber tres vedettes, en ese caso, son llamadas: primera VEDETTE o supervedette, segunda VEDETTE. y tercera VEDETTE.

También hay algunos varones que actúan como vedettes,  raramente porque el tipo de perfil se creo para que la mujer luciese su cuerpo con su arte.

La VEDETTE nació en España sin duda ninguna como tal con el invento de las revistas musicales en la década de 1910 y fue pionera en el mundo, tan solo Francia tenía los espectáculos llamados "Folies Bergeres" en las que se denominaron "VEDETTE" pero no tenían comparación al tipo de trabajo que desempeñaban y por el que se extendió su nombre por el mundo ya que eran distintos. En Francia no se desarrollaba un argumento de obra teatral tan complejo y se primaban los bailes. Los espectáculos de revista y las vedettes tuvieron mucho éxito -en el siglo XX- en España, Francia, y en algunos países de Latinoamérica, como Argentina.

Ya en los años 1920 surgió la imagen de la VEDETTE en México, con las estrellas del teatro de revista, con figuras como Lupe Vélez, Amparo Arozamena, María Conesa "La Gatita Blanca", Prudencia Griffel, Mimí Derba, Esperanza Iris, Celia Montalván y Lupe Rivas Cacho entre otras.

La época dorada de las vedettes en México fue desde los años 1950 a los años 1980. En los años 1950's se hicieron famosas la cubana Rosita Fornés y las exóticas, como Tongolele y Su Muy Key

Con el Cine de Rumberas en la Época de Oro del Cine Mexicano, destacaron las llamadas "Reinas del Trópico" como María Antonieta Pons, Meche Barba, Amalia Aguilar, Ninón Sevilla. y Rosa Carmina

En la siguiente década, fueron muy famosas Ana Luisa Peluffo, Ana Bertha Lepe y Zulma Faiad. En esta época los espectáculos eran cada vez más atrevidos.

En los años 1970 y 1980 fue cuando, gracias a la televisión, el cine y las revistas, las vedettes llegaron a su punto más alto, siendo muy numerosas las que alcanzaron el éxito. Los nombres de algunas de estas legendarias vedettes que iluminaban las marquesinas de la Ciudad de México son: Sasha Montenegro, Rossy Mendoza, Yolanda Liévana, Olga Breeskin, Lyn May, Wanda Seux, Thelma Tixou, Angélica Chain, Gloriella, La Princesa Lea y La Princesa Yamal que también eran las estrellas del llamado "Cine de ficheras", y protagonistas de la vida nocturna, particularmente cuando el programa Variedades de medianoche contribuyó al "boom" de las vedettes.